Unsere Künstler
Grafiker und Maler
Modesta Gorol (PL)
Mit ihrer Kunst erzählt sie visuelle Geschichten, die im zweidimensionalen Raum aus Leinwand und Papier schweben. Sie konstruiert imaginäre Welten und lädt den Betrachter ein, diese zu erkunden, indem sie kleine, oft verborgene Eingänge freilegt. In jeder Welt interagieren einzigartige Charaktere – Tiere, Pflanzen und anthropomorphisierte Wesen – in der visuellen Erzählung.
Aufgrund ihrer Klavierausbildung findet sie tiefe Verbindungen zwischen Musik und bildender Kunst und lässt sich von Klängen inspirieren, um ihren kreativen Prozess zu gestalten.
zeitgenössischer Künstler und Grafiker
Jaco Putker (NL)
Jaco kombiniert digitale und traditionelle Techniken, um Bilder zu schaffen, die sowohl verspielt als auch unheimlich, nostalgisch und magisch sind. Sein bevorzugtes Medium ist das Photopolymer- oder Solarplatten-Ätzen. Diese Technik ist eine ungiftige Art des Ätzens, die fotorealistische Darstellungen ermöglicht.
Jaco lässt sich vom Alltag und der Funktionsweise des Unterbewusstseins inspirieren
um komplizierte monochromatische Drucke zu schaffen, die die Grenzen zwischen Realität und Fantasie verwischen. Es sind skurrile Momentaufnahmen der Existenz, die die
Tiefgründig, humorvoll und rätselhaft.
Putkers Kunst hat internationale Anerkennung gefunden und wurde weltweit ausgestellt in
Galerien und Kunstmessen.
Multidisziplinärer bildender Künstler
Johannes Deimling (DE)
Seit 1997 widmet Deimling einen wesentlichen Teil seiner künstlerischen Reise der Erforschung und Vermittlung von Performancekunstprozessen. 2008 gründete er PAS | Performance Art Studies , ein internationales Kunst- und Bildungsprojekt, bei dem er bis heute als künstlerischer Leiter fungiert.
Im Jahr 2016 heiratete Deimling die polnische Fotografin Monika Deimling , mit der ihn eine enge und anhaltende künstlerische Zusammenarbeit verbindet.
Im Mittelpunkt von Deimlings Arbeit steht die Schaffung visueller Bilder, die über direkte Logik hinausgehen und zu metaphorischen und poetischen Interpretationen einladen. Durch eine künstlerische Freiheit, die die Bereiche von Bild und Kontemplation überbrückt, öffnet sein Werk philosophische Räume und bietet transformative Perspektiven auf die Wahrnehmung. Sein künstlerisches Universum beschäftigt sich mit einem breiten Spektrum zeitgenössischer Themen und fördert zum Nachdenken anregende Verbindungen zwischen Kunst und der Erfahrung des Betrachters.
„Herbstblätter“
Foto von Monika Deimling, 2022
Bildende Künstlerin
Gosia Kulik (PL)
Ihre künstlerische Praxis ist eine Verbindung von Kunst und Anthropologie. Sie nähert sich ihren Themen mit dem präzisen Blick einer Feldforscherin und erstellt umfangreiche visuelle und verbale Notizen, die sich zu narrativen Sequenzen, Mikrogeschichten und eindrucksvollen Bildwelten entwickeln. Kuliks Werk, das Malerei, Zeichnung und Graphic Novels umfasst, ist tief im Text verwurzelt – von literarischen Skripten und Presseartikeln bis hin zu unmittelbaren Zeitzeugenaussagen. Auf dieser Grundlage erforscht sie menschliche Dramen, gesellschaftliche Kommentare und amüsante Genrebilder und dokumentiert dabei häufig das Leben ihrer Wahlheimatstadt, etwa in Projekten wie der Zeichenserie über die Markthalle von Wrocław (Mięso, kwiaty i śpiew ptaków – Fleisch, Blumen und Vogelgesang).
Bekannt für ihr präzises Erzählen ist sie Autorin preisgekrönter Graphic Novels und Co-Autorin mehrerer hochgelobter pädagogischer Bilderbücher, die in Zusammenarbeit mit Tomek Żarnecki entstanden sind. Ihre Arbeiten wurden bereits zweimal auf der renommierten Kinderbuchmesse in Bologna ausgezeichnet.
Bildender Künstler
Moritz Wippermann (DE)
Nach einer Ausbildung zum Gestaltungstechnischen Assistenten und einem Jahr in Neuseeland studierte er Visuelle Kommunikation an der Hochschule Wismar, einschließlich eines Auslandssemesters in Havanna, Kuba. Es folgten Praktika in Lettland und Schottland. Seit 2015 nimmt er an Einzel- und Gruppenausstellungen in Deutschland teil.
Mitgliedschaften:
Seit 2021: Mitglied des Künstlerbundes Dresden
Seit 2023: Gründungsmitglied von Inserat 8000 (Künstlergemeinschaft)
Keramikkünstlerin
Guusje Smit (NL)
Guusje Smit ist eine niederländische Keramikkünstlerin mit Sitz in Italien, die The Smitties erschafft – handgefertigte Figuren in Tierkostümen, die authentischen Selbstausdruck feiern. Aufbauend auf ihrem Hintergrund in der Sozialarbeit und ihrem tiefen Verständnis menschlichen Verhaltens schafft Smit Kunst für Frauen, die nicht in vorgegebene Muster passen – damit sie sich gesehen, verstanden und weniger allein fühlen.
Seit 2019 arbeitet sie an dem ehrgeizigen 100 Smitties Project, das derzeit 93 einzigartige Werke umfasst
Malerin
Hanna Karaleva (BY/AT)
Hanna Karaleva (geboren 1962 in Minsk, Belarus) erhielt ihre Ausbildung an der Belarussischen Akademie der Künste. Mehrere Jahre lang unterrichtete sie Malerei und Design an der A.K.-Glebov-Kunstschule in Minsk.
Die Kunst von Hanna Karaleva ist vor allem von Erinnerungen und Haltungen inspiriert. Ein prägendes Merkmal ihrer künstlerischen Praxis ist die unerwartete Lesart der Beziehung zwischen belebter und unbelebter Natur, um neue Ausdrucksformen menschlicher psychologischer Zustände zu finden.
Ihre Werke sezieren und erkunden die Welt um sie herum – wie ein visuelles Tagebuch. Nichts ist statisch. Sie vermittelt dies, indem sie die Körper ihrer Figuren in ein zerbrechliches Glasmedium einbettet, das ein Gefühl von Vergänglichkeit und Ungleichgewicht ausdrückt.
Hanna ist Mitglied des Verbandes der Designer von Belarus, Freundin des Künstlerverbandes von Belarus und Mitglied der Künstlergruppe „Arka“ in Minsk, Belarus. Sie nahm am belarussisch-schwedischen Symposium „She was“ im Jahr 2022 teil, das berühmten Frauen in Belarus gewidmet war. Ihre Kunst wurde unter anderem in Estland, Polen, Österreich, Deutschland, Frankreich, den Niederlanden und den USA ausgestellt.
Grafiker
Yvette Schoenmakers (NL)
Niederländische Druckgrafikerin, wohnhaft in Weesp (Amsterdam), Niederlande.
Im Jahr 2019 begann sie, mit Linolschnitt zu experimentieren, und diese Entscheidung stellte ihr Leben völlig auf den Kopf. Kurz darauf beendete sie ihre akademische Laufbahn und widmete sich ganz dieser traditionellen Form der Druckgrafik.
Ihre Arbeiten drücken ihre Liebe zur niederländischen Natur aus und spiegeln auf spielerische Weise ihre Beobachtungen über die Beziehung des Menschen zu Tieren und zur Natur wider. Meist enthalten ihre Linolschnitte autobiografische Elemente; sie sind das Ergebnis von Feldstudien, persönlichen Begegnungen und Lebenserfahrungen. Der Linolschnitt fasziniert sie, weil er zugleich vereinfachend und komplex ist: Er verlangt Entschleunigung und „Umdenken“, da alles spiegelverkehrt ist. Sobald etwas herausgeschnitten ist, gibt es kein Zurück. Es ist eine Herausforderung, einen Druck langsam durch aufeinanderfolgende Farbschichten aufzubauen, die alle aus demselben Linoleumblock geschnitten werden. Mit dieser Reduktionstechnik folgt sie grob einem Plan und arbeitet teilweise intuitiv. Sie liebt das handwerkliche Arbeiten des Druckens, die grafische, leicht raue Ästhetik und die pure Magie des Moments, wenn der fertige Druck enthüllt wird.
Meister der Assemblage und Miniaturen
Antonio Azevedo (PT)
António Azevedo ist ein renommierter Künstler, der Modellfiguren nutzt, um Geschichten innerhalb kleiner quadratischer Rahmen zu erzählen. Sein Projekt „Once Upon a Time…“ umfasst bereits mehr als 300 Szenen, von denen jede eine neu interpretierte Alltagssituation mit akribischer Liebe zum Detail darstellt.
Durch Übungen in Bühnenbild und Maßstab erschafft er einzigartige Atmosphären, die unsere Vorstellungskraft anregen.
Obwohl sein Hintergrund im Modedesign-Zeichnen liegt, entwickelte António Azevedo seine berufliche Tätigkeit im Bereich Visual Merchandising und Schaufenstergestaltung. Er arbeitete direkt mit renommierten Marken wie Burberry, Levi’s, Swarovski, Armani und anderen zusammen. Seine künstlerischen Projekte entstanden jedoch spontan und gewannen nach und nach einen immer größeren Stellenwert in seinem Leben. Indem er neue Medien und Techniken erforscht, sucht der Künstler nach Elementen, die eine starke Symbolik tragen und voller Geschichten sind, während er gleichzeitig eine handwerklich geprägte Herangehensweise in seinen Werken beibehält.
Multidisziplinäre bildende Künstlerin
Valentina Brostean (RS)
Valentina Brostean ist eine multidisziplinäre bildende Künstlerin, bekannt für ihre kraftvollen, emotional aufgeladenen Werke, die traditionelle und digitale Techniken miteinander verbinden. Nach mehr als einem Jahrzehnt in Turin, Italien, lebt und arbeitet sie heute in Barcelona, Spanien. Brostean hat einen Bachelor in Grafikdesign und einen Master in Illustration von der Fakultät für Bildende Künste der Universität Novi Sad.
Ihr unverwechselbarer Stil – oft als neue zeitgenössische Figuration beschrieben – zeichnet sich durch kühne Kompositionen, lebendige Farbpaletten und surreale, traumähnliche Bildwelten aus. Inspiriert von menschlicher Psychologie, unbewussten Emotionen und der Spannung zwischen Realität und Imagination, dekonstruiert Brostean vertraute Erzählungen, um neue, introspektive Welten zu erschaffen.
Neben ihrer persönlichen künstlerischen Praxis ist sie eine erfolgreiche Editorial- und Modeillustratorin und wendet ihren charakteristischen Mixed-Media-Ansatz in internationalen Projekten für Armani Exchange, The Washington Post, Il Corriere della Sera, Bicycle USA und Kabinet Brewery an, unter anderem.
Seit 2006 wurden Brosteans Arbeiten in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Europa, dem Nahen Osten und den Vereinigten Staaten gezeigt und in einer Vielzahl von internationalen Kunstpublikationen veröffentlicht.
Fotografin
Vilma Leino (FI)
Ihre Arbeit konzentriert sich auf das Selbstporträt, das sie nutzt, um innere Emotionen, Kindheitserinnerungen, Einsamkeit und schwierige psychologische Phasen zu reflektieren. In ihren Werken erschafft sie weibliche Figuren mit unerzählten Geschichten und experimentiert mit intensiven Farbschemata und Kompositionen, wodurch ein Raum entsteht, in dem Komik und Panik aufeinandertreffen und Verspieltheit dunkle Themen besänftigt.
Ihre Fotografien sind eine Ein-Frau-Show, in der Kontrolle und die Angst, sie zu verlieren, in ständigem Dialog stehen – und so eine Erzählung über persönliches Wachstum formen, in der sich Ängste in Stärke verwandeln
